A journey to the Saint-Louis crystal manufactory starts with an early morning high-speed train ride to what has now become known as the Grand-Est region. After the train, comes an hour-long car ride through the rolling, pastoral countryside, to finally drop down into the village of Saint-Louis-lès-Bitche, in the heart of a densely wooded area close to the German border. The view from above as you approach clearly shows that the manufactory is the both origin and the beating heart of the village. Entering the manufactory is to enter into a strikingly binary world made up of two opposing yet inseparable entities. This duality seems to define not only the crystal material, but the very essence of its creation and production. The workshops are made of two adjoining poles : hot and cold. Each pole creates its own universe, complete with its own temperature, sounds, smells, light, rhythms, spaces, colours, tools, lexicon, gestures and clothing.
When hot, the crystal is formless, awaiting transformation. Starting as an incandescent viscous paste in the oven, it is given form by being handblown or shaped using a mould, until it solidifies into a glass, a tumbler, cup, carafe, bottle or vase…
When cold, all is reversed. The crystal piece is already well-defined. Its shape is reworked, cut using grindstones of different shapes and diameters, and it is the final polishing stage which creates its lustre and limpid, cold transparency. Only then is the form imbued with all of the signature qualities of Saint-Louis crystal.
It came as a pleasant surprise that eight years after Intervalle – my first foray into the world of Saint-Louis crystal – I was offered the opportunity to design a broad range of pieces ranging from stemware to light fixtures.
It was to be a broad-ranging collection, according to the descriptions given during our first exchanges outlining the project. An ambitious collection, both in the number of pieces to be designed and in the aesthetic space it had to fill within the Saint-Louis catalogue. Before going into the details of designing each piece, we had to establish the very notion of what the collection theme would be. After the inevitable trial and error period that comes with the start of any new project, we decided it would be the encounter of vertical and horizontal lines that would be the unifying element through each piece of the collection, later to be named Cadence. A simple idea, which was confirmed through sketches to be a principle malleable enough to adapt to different shapes and sizes, to be an integral part of – and to highlight – the geometry specific to each piece in the collection. Vertical lines adorn the lower parts of each piece – like legs and bases – to elevate the forms. Horizontal lines are cut into the upper part or container of each piece. The meeting point between the vertical and horizontal lines marks the join between the base and the upper part and, in the abstract, the figurative juxtaposition of the two opposing workshops: the hot and cold.
It was clear from the start that each of these pieces had to be designed with simplicity in mind in order to create readable shapes. To design the most archetypal forms possible for each vase, bottle, carafe, cup, tumbler, glass… This desire for simple and readable shapes was an inevitable response to the initial intention to offer pieces that are more accessible, easier to use and void of pretension. An update of the usual crystal pieces — bringing them from the revered to the everyday. For this same reason, glass stems were shortened, making them less slender and solemn, but indisputably easier to use. Likewise, the cutting was simplified to a minimal expression of lines, making it more of an integral part of the form than ornament or decoration, even if still part of the decorative process.
During my first visit to the manufactory to truly mark the beginning ofthis new project, I could not imagine missing out on a trip to the attic, an essential ritual for anyone starting a collaboration with the cristallerie.The attic of a wing far away from the production workshops, this space hasn’t been decorated or turned into a museum. It is inaccessible to the public, slightly dusty and poorly lit, furnished only with large tables that seem to disappear beneath the cacophony of crystal pieces they bear. This is an abundant, wild and varied archive, a journey through time and an understanding of the history of the cristallerie all the way back to its royal origins. What is most striking and somewhat overwhelming when wandering through this assortment, is the immense variety of shapes (some borrowed), techniques (both current and forgotten), colours, and embellishments, to the point that it is difficult to get a precise idea of the manufactory’s specialisation, though cutting is a technique which runs through it all.Eventually, what emerges is that over time the cristallerie’s production has become gradually more specific and specialised, both in technique and also standardised shape-to-size ratios, both of which give Saint-Louis its current image. Or, at least, the image I had of Saint-Louis crystal before I started designing with them. Without a doubt, my goal with this collection was to affirm what Saint-Louis’ crystal is known for, while also making it more accessible to the present, rather than changing it altogether.
Thinking about it, at no point in the design process did I imagine these pieces
in colour, probably because I didn’t see any point to it, since the quality of clear
crystal is more than enough on its own. But also, perhaps subconsciously, to affirm
that this time I am not at Murano. Indeed I am at Saint-Louis. And that is precisely
and above all, what I was seeking to express.
Pierre Charpin, march 2022
Lorsqu’on se rend à la cristallerie Saint Louis, après avoir pris tôt le matin un train pour se diriger à grande vitesse vers ce que dorénavant on nomme la région Grand-Est, puis être monté dans une voiture et avoir traversé durant une heure environ une campagne vallonnée et agricole pour enfin entrer dans une zone fortement boisée, non loin de la frontière allemande, et finalement plonger sur le village de Saint Louis les Bitches, on comprend alors par la vue surplombante, que le village s’est construit autour de la manufacture et que c’est bien la manufacture qui est à l’origine de sa constitution.
Lorsque l’on pénètre dans l’enceinte de la manufacture ce qui frappe c’est l’entrée dans un monde binaire, constitué de 2 entités distinctes voir opposées et pourtant indissociablement complémentaires. C’est cette binarité qui semble définir, au delà même de la matière cristal, l’essence de la manufacture et de ce qui en sort en tant que production.
La manufacture est constituée de deux pôles attenants, celui du chaud et celui du froid. A chacun des pôles sa température, son niveau sonore, ses odeurs, sa lumière, ses rythmes, ses espaces, ses couleurs, ses outils, ses vocables, ses gestuelles, ses tenues vestimentaires.
Au chaud, le cristal est informe tant qu’il n’est pas travaillé. C’est une sorte de pâte visqueuse incandescente qui dans un four attend d’être cueillie pour qu’on lui donne, en la soufflant à main levée ou à l’aide de moules, une forme qui va ici se solidifier en prenant les contours d’un verre, d’un gobelet, d’une coupe, d’une carafe, d’un flacon, d’un vase….
Au froid c’est tout le contraire. Le cristal existe en tant que forme bien définie. Cette forme est retravaillée, taillée à l’aide de meules de différentes formes et diamètres et c’est la phase finale de polissage qui donne au cristal tout son lustre et sa transparence limpide et froide. La forme porte alors en elle toutes les qualités d’un objet en cristal estampillé Saint-Louis.
Ce n’est pas sans une certaine surprise mêlée de contentement que j’ai reçu, 8 années après une première incursion dans le monde de la cristallerie Saint-Louis par le biais du projet Intervalle, la proposition de dessiner un vaste ensemble d’objets allant des verres à pied aux luminaires.
Une collection dite transversale selon les termes employés lors des tout premiers échanges alors qu’on m’exposait le cadre général du projet. Une collection ambitieuse par le nombre d’objets à dessiner et par le positionnement esthétique qu’elle devait prendre au sein du catalogue existant.
Avant de rentrer dans les détails spécifiques du dessin de chaque objet, précisément listé, c’est la notion même de collection qui était à interroger. Après les incontournables et multiples tâtonnements inhérents à la mise en route de tout nouveau projet, ce sera la rencontre de lignes verticales et de lignes horizontales qui constituera le signe distinctif, ’’l’agent’’ unificateur de tous les objets de cette collection qui plus tard prendra le nom de Cadence. Une idée simple qui, à l’épreuve du dessin, se confirmera et s’imposera comme principe plastique, car ces lignes destinées dès l’origine à être interprétées par la taille, s’inscrivent dans la géométrie propre à chaque objet de la collection, elles en soulignent la forme, et ce, quelle que soit sa dimension. Les lignes verticales prennent place dans la partie inferieure des objets, pieds et bases, elles élèvent la forme. Les lignes horizontales, elles, s’inscrivent dans la partie supérieure de l’objet, le contenant, et la rencontre des lignes verticales et horizontales marque le point de jonction entre la base et la partie supérieure de l’objet et en se laissant aller au jeu de l’allégorie, l’image figurée du point de rencontre entre les ateliers du chaud et les ateliers du froid.
Il était dès le début clairement entendu que tous ces objets devaient être dessinés avec la plus grande simplicité pour proposer des formes lisibles. Rendre le vase, le flacon, la carafe, la coupe, le gobelet, le verre…le plus verre possible. Tendre vers la forme archétypale. Et ce désir de simplicité et lisibilité des formes répondait indiscutablement à l’intention initiale de proposer des objets plus accessibles à l’usage, moins connotés, une sorte de désacralisation, ’’d’aggiornamento’’ de l’objet en cristal.
C’est dans ce sens, par exemple, que la jambe des verres a été abaissée pour en faire des objets sans doute moins élancés, moins solennels mais indiscutablement plus faciles à utiliser. De même, la taille réduite à la simple expression de lignes, la fait percevoir davantage comme dessin plutôt que comme ornement ou décor, même si la taille reste par essence un décor.
Lors de la première visite de la manufacture, qui marquait le réel moment d’entrée dans ce nouveau projet, il était impensable d’échapper au rituel du grenier. Un rituel incontournable pour qui commence une collaboration avec la Cristallerie. Un lieu qui se trouve sous les combles d’une aile à l’écart des ateliers de production, un lieu qui n’a pas été scénographié, encore moins muséifié. Un lieu non accessible au public, légèrement poussiéreux et à la lumière approximative, aménagé avec de grandes tables qui disparaissent sous l’énorme quantité d’objets en verre qui y sont disposés. C’est une archive foisonnante et hétéroclite, brute, un voyage dans le temps qui fait comprendre l’épaisseur de l’histoire de la Cristallerie (elle fut cristallerie royale en son temps). Ce qui est marquant et quelque peu déroutant, ce qui ressort de cette déambulation au milieu de cette multitude composite, c’est la très grande variété de forme, de style (parfois empruntés), de technique (dont certaines ont été oubliées), mais aussi de couleurs, de décors, au point qu’il est difficile au sortir de ce lieu de se faire une idée précise de ce qu’a été la spécificité de la production de la manufacture, même si la récurrence de la taille est indiscutable.
On comprend alors qu’avec le temps la production de la manufacture s’est petit à petit précisée, spécialisée, dans les techniques qu’elle a adoptées, mais aussi codifiées dans un rapport forme /taille et que c’est cette codification qui donne aujourd’hui l’image que l’on a du cristal produit par la cristallerie Saint-Louis, ou plutôt l’image que je m’étais faite avant que je commence à dessiner. C’est sans doute ce que j’ai voulu traduire en dessinant cette collection, affirmer cette image tout en essayant de la faire entrer en résonnance avec le présent, plutôt que de chercher à la décaler figurativement.
En y repensant, à aucun moment je n’ai pensé le dessin de ces objets en termes de couleurs, sans doute parce que je n’y voyais pas le sens, car la qualité du cristal clair se suffit amplement à elle même. Mais aussi, peut être inconsciemment, pour affirmer que cette fois-ci je n’étais pas à Murano, que j’étais bel et bien à Saint-Louis, et que c’est précisément ça que je cherchais avant tout à exprimer.
Pierre Charpin, mars 2022
